Wenn Sie eine Momentaufnahme der verwirrenden und getarnten Natur des modernen Plattenvertrags wünschen, schauen Sie sich die Top—Tracks in der Rolling Stone Chart heute – und dann werfen Sie einen Blick auf ihre Details auf Amazon.
Mindestens drei der beteiligten Künstler haben keine einfachen, direkten Verträge mit großen Plattenfirmen. Drake und Futures „Life Is Good“ ist bei Sonys Epic unter Vertrag, aber über Futures eigenes Label, Freebandz; Nicki Minajs „Yikes“ wird von Universal’s Republic Records beansprucht, aber sowohl über Cash Money als auch Young Money — letzteres ist das von Lil Wayne im Jahr 2007 gegründete Impressum; Justin Biebers „Intentions“ ist auf einem anderen Universal-Label, Def Jam, aber im Tandem mit Raymond-Braun Media Group (RBMG), das Label im Besitz von Biebers Manager, Scooter Braun, und Usher.
Ohne die Verträge jedes dieser Künstler zu sehen, können wir die genaue Art ihrer Plattenverträge nicht kennen. Aber wir wissen das: Solche Ergänzungen und Vorbehalte sprechen Bände über eine moderne Musikindustrie, in der Künstler (und / oder ihre Vertreter) eine größere Kürzung der Lizenzgebühren erhalten als je zuvor — und ihre Rechte für kürzere Laufzeiten verschenken.
Bis heute ist die Apotheose dieser Geschichte von Taylor Swift gekommen, die bestätigt hat, dass sie in ihrem Deal mit Universal / Republic Records die Masters for Lover und ihre erwarteten Nachfolger besitzt. (Universal bietet Swift entweder Marketing- und Vertriebsdienste auf Work-for-Hire-Basis an, oder, was wahrscheinlicher ist, sie hat einen kurzfristigen Lizenzvertrag für Lover unterzeichnet, wonach die volle Kontrolle über ihre Rechte wieder in ihrem Griff landen wird.)
Noch vor 20 Jahren – als physische Güter noch die Musikindustrie beherrschten und der Durchbruch im Radio die einzige echte Chance auf Erfolg in den USA war — boten Plattenlabels normalerweise einen Vertrag an, bei dem der Künstler einen Vorabscheck erhielt, aber das Label erhielt lebenslanges Eigentum an Rechten und mehr als 80 Prozent der Lizenzgebühren. In diesen Tagen hat sich das alles geändert: Ein typischerer großer Deal mit einem etablierten Star (oder sogar einem schnell wachsenden neuen unabhängigen Talent) wird dazu führen, dass die Rechte viel früher an den Künstler zurückgegeben werden, mit einem Baseline 50/50 (Gewinnbeteiligung) Lizenzvertrag. Für globale Megastars stimmen Major Labels zunehmend einer Minderheit von Lizenzgebühren zu.
Wenn Major Labels ein Royalty—Level von 50 Prozent oder mehr erreichen wollen – geschweige denn Lizenzrechte für mehr als ein Jahrzehnt — müssen sie Stars einen augenzwinkernden Betrag für das Privileg zahlen. Rob Stringer, Chairman und CEO der Sony Music Group, sagte auf einer Konferenz von Goldman Sachs im vergangenen September: „Es ist heute viel teurer, Talente zu verpflichten als vor sechs Monaten, und es ist viel teurer als vor zwei Jahren — und zurück in die 2000er Jahre, die Download-Ära, ist es nicht einmal vergleichbar.“
Stringer fügte hinzu: „Es ist ein Balanceakt zwischen dem, wie viel wir für Talente ausgeben, und dem, wie viel wir zurückbekommen . Das war schon immer das Sprichwort, aber die mathematische Formel ist jetzt etwas komplizierter.“
Diese Transformation, angetrieben von der künstler-ermächtigenden Explosion von Spotify, SoundCloud, et al. die natürliche Erosion des Einflusses traditioneller Medien ist eine potenzielle zukünftige Gefahr für die Majors, sollten sie nicht dagegen vorgehen. Und mindestens einer aus ihren Reihen, wie unten gezeigt, behält einen kleineren Teil des Geldes, das es jedes Jahr generiert, da der Anteil der Künstler weiter anschwillt.
Anfang dieses Monats schockierte die Warner Music Group die Branche, indem sie ihre Absicht bekannt gab, an die New Yorker Börse zu gehen, was dazu führen wird, dass Eigentümer Len Blavatnik eine Unternehmensbewertung erreicht, die um ein Vielfaches höher ist als die 3,3 Milliarden US-Dollar, die er 2011 für WMG bezahlt hat. (Nun, ich sage „schockierte die Musikindustrie“, aber vor einem Monat sagte ich im Rolling Stone voraus, dass Blavatnik in diesem Jahr eine Minderheitsbeteiligung an WMG einlösen würde. Ich sagte auch voraus, dass Tencent den Kauf tätigen könnte; wenn WMG an der Börse landet, wollen wir sehen, ob das chinesische Unternehmen einen institutionellen Aktienerwerb tätigt.)
Warner kündigte seinen Börsengang am 6. Februar über ein Standard-S-1-Formular bei der SEC an, das so ziemlich alles über die Geschäftsentwicklung des Unternehmens in den letzten Jahren enthüllte. (Es ist alles drin: Risikofaktoren, Umsatzsteigerungen, Managementgehälter, Gewinnzahlen — die Werke.)
Dennoch gibt es eine wesentliche Statistik, über die dieses Dokument nicht viel Lärm macht. Und für mein Geld — im wahrsten Sinne des Wortes – ist es der wichtigste Datenpunkt, auf den sich potenzielle Investoren in WMG konzentrieren sollten.
Unten sehen Sie die Jahreszahlen für Warners Einnahmen aus Musikaufnahmen sowie das, was das Unternehmen in Finanzdokumenten als „Künstler- und Repertoirekosten“ bezeichnet.“ Diese A & R-Kosten, sagt Warner, decken alle Unternehmenskosten ab, die mit „(i) der Zahlung von Lizenzgebühren an Aufnahmekünstler, Produzenten, Songwriter, andere Urheberrechtsinhaber und Gewerkschaften; (ii) Unterzeichnung und Entwicklung von Aufnahmekünstlern; und (iii) Erstellen von Master-Aufnahmen im Studio.“
Mit anderen Worten, es ist eine Kombination aus den Lizenzgebühren, die Warner an Künstler auszahlt, plus Vorausschecks, die seine Labels unterzeichnen, plus — den Großteil des Geldes ausmachend — das Geld, das es braucht, um einem Star zu ermöglichen, im Studio zu zaubern.
Diese A& R-Kosten-Zahl ist daher ein faszinierender Indikator für die zugrunde liegende Ökonomie heutiger Plattenverträge, d. H. wie großzügig Major-Labels mit ihren Geldern sein müssen.
(Drei kurze Anmerkungen dazu: 1. Die wichtigste Grafik hier ist die zweite, Das zeigt den Prozentsatz der gesamten jährlichen Einnahmen von Warner mit aufgenommener Musik, die in jedem Jahr von A gegessen wurden&R Kosten; 2. In beiden Grafiken habe ich 240 Millionen US-Dollar aus dem Umsatz von Warner für das Geschäftsjahr 2019 entfernt, da dies laut WMG der jährliche Umsatzanstieg war, der durch die Übernahme von EMP, einem europäischen Merchandise- und Online-Verkaufsgeschäft, im Oktober 2018 in Höhe von 180 Millionen US-Dollar ausgelöst wurde. Wenn wir diese Zahl aus der Einnahmenlinie entfernen, erhalten wir einen echten vergleichbaren Wert, Jahresvergleich; 3. Das Geschäftsjahr von Warner endet Ende September, wenn Sie sich fragen.)
In den letzten fünf Jahren ist der Prozentsatz der Einnahmen aus Musikaufnahmen, den Warner für A & R-Kosten (hauptsächlich für Künstlergebühren und Vorschüsse) ausgegeben hat, von 28,7 Prozent im Geschäftsjahr 2014 auf einen neuen Höchststand von 32,7 Prozent im Geschäftsjahr 2019 (+ vier Prozent) gestiegen.
Um dies in einen Zusammenhang zu bringen, entspricht jedes Prozent, das Sie in der obigen Leiste für das Geschäftsjahr 2019 sehen, 36 Millionen US—Dollar – Geld, das sonst direkt in Warners Endergebnis geflossen wäre. Wären diese 32,7 Prozent im Jahr 2019 bei 28,7 Prozent geblieben, hätte die Warner Music Group im vergangenen Jahr 144 Millionen US-Dollar eingespart.
Wenn man tiefer in Warners Zahlen eintaucht, gibt es einen noch aussagekräftigeren Hinweis darauf, wie steigende Künstlerkosten Investoren in den kommenden Jahren Probleme bereiten könnten. In den SEC-Einreichungen werden die Einnahmen aus Musikaufnahmen von WMG in drei Bestandteile unterteilt: Lizenzierung; Künstlerdienste & Erweiterte Rechte; und insgesamt physisch & Digital.
Die letztere Kategorie ist Warners Kerngeschäft — jeder Cent, der von Spotify, Apple Music, YouTube usw. an die Firma fließt., plus Musikeinzelhandelsgeschäfte auf der ganzen Welt, wird hier abgedeckt. (Das EMP-Geld ist übrigens unter „Artist Services“ kategorisiert, was auch Warners Teilnahme am Live-Musik-Ticketverkauf abdeckt.)
MBW
Der Trend setzt sich fort: Zweimal in den letzten drei Jahren hat Warner mehr als 40 Prozent des Geldes, das jährlich aus seinem Kerngeschäft mit Musik anfällt, für die Bezahlung von Künstlern ausgegeben.
Die Frage für Warners IPO-Beobachter lautet also: Was passiert, wenn diese 40-Prozentzahl in Zukunft auf 45-Prozent oder über 50-Prozent ansteigt?
Die Kosten moderner Geschäfte werden der Schlüsselfaktor sein, der diese jährliche Zahl nach oben treibt. Bedenken Sie, dass Künstler, die in den siebziger oder achtziger Jahren unterschrieben haben, oft dauerhafte Major-Label—Lizenzverträge aus dieser Zeit beklagen, die ihnen geben 18 Prozent oder weniger der Beute aus dem heutigen Streaming – und sogar, unglaublich, Manchmal wird zusätzliches Geld aus ihren Gehaltspaketen für die lächerlich veralteten „Verpackungsabzüge“ entfernt.“ (Dies ist ein sehr ernstes Problem für bestimmte Handlungen. Als ich Ende letzten Jahres mit dem britischen Singer-Songwriter Glenn Tilbrook für diese Kolumne gesprochen habe, hat er mir mit diesem Zitat den Atem geraubt: „Dies ist ein harter Vergleich, aber ich mache es frei: der Deal, den wir unterschrieben haben, als wir Kinder waren, Es ist, als ob ich eine direkte Beziehung zwischen Pädophilen und Plattenfirmen sehe, dass sie die gleichen räuberischen Instinkte und die Fähigkeit haben, Menschen zu bezaubern und zu überlisten, die leicht zu überlisten sind…. Das ganze Ende des Geschäfts ist schlampig, manipulativ und zwanghaft, und es ist nicht schön.“)
Die rasant steigenden Ausgaben für Künstler bei großen Plattenfirmen sind definitiv kein reines Warner-Phänomen. In einer Präsentation, die Sony letztes Jahr auf seinem Investorentag gegeben wurde (Bild unten), wurde bekannt, dass die jährlichen Ausgaben von Sony Music für die Unterzeichnung und Entwicklung von Künstlern im Geschäftsjahr 2018 im Vergleich zum Geschäftsjahr 2015 um 46 Prozent gestiegen waren. Tatsächlich gaben die Majors laut kaum glaubwürdigen IFPI—Statistiken 2017 tatsächlich 11 Millionen US-Dollar pro Tag für ein & R aus – eine Zahl, die seitdem erst eskaliert sein wird.
Im Moment müssen sich die Eigentümer von Warner keine Sorgen über den ständig steigenden Prozentsatz der Einnahmen machen, die für Talente ausgegeben werden, da das Wachstum des Unternehmens in finanzieller Hinsicht mehr als Schritt hält. Zum Beispiel wuchs zwischen dem Geschäftsjahr 2015 und dem Geschäftsjahr 2019 der jährliche Betrag, der von Warners Labels für ein & R ausgegeben wurde, um 453 Millionen US—Dollar – aber der Gesamtumsatz an aufgezeichneter Musik, der pro Jahr in das Unternehmen fließt, stieg um mehr als das Doppelte dieser Zahl bei 1,01 Milliarden US-Dollar. Es ist offensichtlich kein Problem, mehr für Künstler auszugeben, wenn Ihr Umsatz steigt – aber es wird eines, wenn das Wachstum des globalen Streamings nachlässt. Und wie regelmäßige Leser dieser Kolumne genau wissen, passiert genau das heute in der Branche.
Bis zu einem gewissen Grad können sich Major Labels gegen diesen Trend absichern, indem sie ihre Einnahmequellen über reine Lizenzgebühren für aufgezeichnete Musik hinaus diversifizieren (Warners EMP-Kauf sieht in diesem Zusammenhang besonders klug aus). Dennoch bleibt die Tatsache bestehen, dass Warner – ebenso wie die Universal Music Group, die diese Woche ihre eigene Absicht zum Börsengang angekündigt hat – sich nun an der Schwelle zu einer Ära, in der eine globale Verlangsamung des Streaming-Wachstums unvermeidlich erscheint, dem Aktienmarkt öffnet und wird nur noch ausgeprägter.
Daher möchte sich das Managementteam von Len Blavatnik möglicherweise auf einige schwierige Fragen von Investoren nach dem Börsengang einstellen, wie viel Geld WMG für Künstler ausgibt — und ob es in einem unwillkommenen Szenario für ein kreatives Unternehmen eine Chance gibt, es zu kürzen.
Tim Ingham ist der Gründer und Herausgeber von Music Business Worldwide, das seit 2015 die globale Branche mit Nachrichten, Analysen und Jobs versorgt. Er schreibt eine wöchentliche Kolumne für „Rolling Stone.“
